「ショウ・マスト・ゴー・オン」

東京サンシャインボーイズ時代の名作を28年ぶりに上演。私の中でも三谷幸喜ワークスベスト3を選べば必ず入る、大好きな作品です。近鉄小劇場で見た時、笑って笑って笑って、どうしようもなく胸がいっぱいになって涙が出てくる、っていうあの感覚を味わったことが忘れられません。

キャスト発表の時点で、劇団時代の作品を大きくリライトするというのは明らかだったので(そもそも出てくる人数が全然違う)、わりと覚悟を決めて観に行ったところはありました。実際にかなり書き換えられてましたしね。書き換えたのは、もちろんコンプライアンス的な側面もあると思うし、劇団時代はどうしても男女バランスが偏るので、そこを修正したって部分もあるでしょう。あともちろん、携帯電話というものの存在もそうですね。

人数を増やしたり、出番を増やしたり(例えば座長の宇沢はあんなに出てくる役ではない)という部分は、うまくいっているところもあれば、あまりはまっていないなーというところもあり。冒頭の見せ方は変えてくるだろうなと思ってたし、実際枠だけ残して(今からやるとこでーすの台詞とか)見せ方を変えたって感じだったけど、あれがラストシーンに繋がってるっていう構成がむちゃくちゃ好きだったので、惜しい気持ちもあったな。あとシンさんの一番好きな台詞もカットされてたし。

などなど、どうしても過去の亡霊が顔を出しちゃうオタクではありますが、じゃあ楽しめなかったかっていうと、むちゃくちゃ楽しかったんですよね。どうなるのかわかってて、同時にどこが違うのかを気にしちゃうって邪念があっても、やっぱり楽しかった。それは28年って歳月があって、こっちもいろんなものを受け止めることができるようになってるのも大きかったと思うし、なんといっても作品がね、本当によくできてる。

「ドレッサー」(三谷さんも演出されたことありますね)というロナルド・ハーウッドの舞台を拝見されたことがある方は、あれっこのシーン、どっかで観たぞ、と思われるかもしれませんが、このショウマストゴーオンは「ドレッサー」のある一場面に感銘を受けた三谷さんが、この場面だけで2時間書ける!とものした作品なんですよね。近年三谷さんが手がけた「大地」でも、収容所内でひと芝居を打つ場面がありますが、ああいう畳みかけと、それによって客をも飲み込むみたいな勢いがこの作品の肝であり、それ以外は何も残らないといってもいい。

今回は1幕50分、休憩を挟んで2幕が70分の尺ですが、驚いたのが1幕の書き込みの濃密さ!無駄が一切ない。2幕で発射されるすべての銃に丁寧に弾丸を詰めていく、それとは知らせずに、みたいな展開が流れるように描かれる。マジで50分が溶けたように感じられたもんなあ。改めて三谷さんの筆のうまさに感じ入りました。

今回、博多・京都公演では怪我で休演した小林隆さんの代わりに三谷さんが代役に立つという、舞台をご覧になった方なら「いやショウマストゴーオンを地で行き過ぎやん!」と思わざるを得ない事態になっており、それもこの作品らしいかなと。三谷さんの佐渡島父、けっこうな割合でドヤ顔がうざい役作りで笑いましたが、最後の「こんなにいい職場はない」って台詞だけむちゃうまかったのでなんかもう…好き!ってなりました。

「高崎名物だるま弁当だよ~!」「スコットランドには何がある!」「バーナムの森を動かすんだ」「ジジイはバテてたんじゃない。ペース配分してたんだ」などなど、ここだけ聞いても意味がわからないが、観終わった後には名セリフにしたくなるあれこれと再会できて、とても楽しかったです。

「キンキーブーツ」

三演目となるキンキーブーツ。本邦初演が6年前なので、この短期間に3度の再演というのはそれだけこのミュージカルが時代にフィットしていて、かつ求められる作品であるかっていうのを現していますよね。

素晴らしい作品を讃えるときに、「魔法のような」って喩えを使ったりするけど、まさにその言葉が似合う舞台でしたね。心底素晴らしかった。クライマックスが近づくにつれ、倍掛けで胸がいっぱいになっていくあの感じ。沸騰するようなスタンディングオベーションもさもありなんです。個人的にももう、カーテンコールの間中涙が止まらず、この作品を上演してくれたことへの感謝も含め精一杯の拍手をいつまでも送っていたい気持ちになりました。

今回自分の胸に刺さったのは、あのローラとドンの賭けで、ローラが「ありのままの他人を受け入れる」ことをドンに伝えるじゃないですか。で、あの二幕のチャーリーとローラの口論ですよ。正直、いやもうローラ、こいつのこと一生許さんでええで!と思ってしまうし、そのあとの工場のみんなとのやりとりも(チャーリー自身も父から期待をかけられてなかったというショックとこのプロジェクトの責任の中で疲弊しているとはいえ)、到底受け入れられないと思うような言動ばかり。

でもだからこそ、あのローレンの「ドンはあなたを受け入れたの」って台詞が本当に大事で、それこそが我々にも突きつけられていることなんだよなって思ったんです。正直ね、この作品の中のローラを受け入れるのなんて、観客からしても全然難しくないじゃないですか。だから仮にドンがローラを受け入れたってなっても、そらそうだろ、としかならないじゃないですか。でも、あなたは、わたしは、あのチャーリーを受け入れられますか?っていうことなんだよね。だからこそローラも「こっちのほうがよっぽど難しい」って賭けのときに言うんだよね。SNSでも、どこでも、「ありのままの自分」を高らかに掲げるものは多くても、ありのままの他人を受け入れることって言うのがどんなに困難なことかっていうのは忘れられがちで、でもそれって表裏一体なことだし、その大事さをちゃんとこの作品は伝えているんだなって思ったんです。

そこからの、あのクライマックスだからね…もう本当、あそこでブーツを履いて立ち上がろうとするチャーリーもだし、そこに現れるローラもだし、もう、これが泣かずにいられる!?って感じでした。マジで今多くの人が必要としてる作品、時代が必要としている作品だと思うし、できればこれからも上演を重ねていってほしいと思わずにはいられなかったなー。

城田優さんのローラ、仕上がった肉体にあの高身長、存!在!感!という佇まいでチャーリーと並んだ時の印象含めてはまってたんじゃないでしょうか。そして歌の説得力よ!最高でしたね。聞かせどころでこっちをしっかり没入させてくれる術を心得てらっしゃる。その彼を全力で支えるカンパニーも本当に最高だった。目に見えないなんというか、愛と敬意でできたヴェールのようなものがこの作品全体を覆っているような優しさがあった。それがこんなにも胸に沁みた理由のひとつだったのかもしれないし、それってまさにハーヴェイ・ファイアスティンの作品のテーマそのものでもあるよなって。

前回の上演のときの感想に私は、

いつか時間が経てば、彼以外の役者がこの「ローラ」に挑戦することもあるのでしょうが、その人はとんでもなく高い壁に挑むことになるだろう、と今からしなくてもいい心配をしたくなるぐらい、圧倒的です。

って書いたんだけど、それは本当に今でもその通りだと思う。でもこうして城田優さんのローラを見て思ったのは、どんなローラもそれぞれに違って、だからこそ素晴らしいんだってことでもありました。玉三郎さまがかつて仰った、「演じている役者は消えていかなければならないけど、演じ手の魂だけは半透明に見えていかないと役の中に魂が入っていかない」っていう境地に城田くんは間違いなく到達していたとおもう。なによりも、城田くんには挑戦し、冒険する者だけが許される美しさが間違いなくありました。

そして私たちが今この国で、これだけ贅沢にこの作品に触れ合うことができるのは、間違いなくこの作品を支えた三浦春馬という役者がいてくれたおかげだと思います。本当にありがとう。どれだけの月日が経っても、どこにいても、この作品を見るたびに、きっとあなたのことを思い出すよ。

「平成中村座十一月大歌舞伎 昼の部」

「寿曽我対面」。楽しかった!何が楽しかったかって、「鎌倉殿の13人」効果抜群というか、工藤祐経って聞いて自分の脳内に具体的なイメージが出てくるのがもうまず面白い。そういう意味では各人のあの時代における立ち位置がぐんぐん脳内に沁みこんでくるし、巻狩で…っていうのも巻狩のイメージがこっちにできあがってるし、いやマジで松竹さん!この鎌倉時代チャンスにゆかりの演目バンバンかけなはれや!と浪花商人になってしまいそう。役者も全体的に若くて次世代感が強く、こういうのを見ておくことがのちのち語り草になったりするんよな~と思いながら観ておりました。

「舞妓の花宴」。七之助さんのソロ(ソロ言うな)。美しいし完全に目の保養でしかなかった。とはいえ個人的にはそれほどぐっとくるところがなく。もうちょっと毒のあるほうが好み。

「魚屋宗五郎」。わー、なんと初見です。たぶん。こんな有名な演目なのに。勘三郎さんがおやりになったとき見てないんだなー。
不義の罪を問われお手討ちになったという妹の死を悼むなか、お屋敷から同輩の腰元がお悔やみにやってきて、そこで死の真相を語るところから急速に物語が加速していきます。ここでおなぎが語るお蔦さんの最後が、まあまあにすごい。吊るして拷問して斬ったとか言ってない!?大丈夫!?どんなバイオレンスよ…さすがに皿屋敷がベースになってるだけあるわ…。

禁酒していた宗五郎は妹の最後のあまりの無残さに、酒でも飲まなきゃやってられねえ!と禁酒の誓いを破るわけですが、酒を飲まなきゃ立派な人なのにね!と散々繰り返される宗五郎がここでぐいぐいと(文字通りぐいぐいと)盃を開けていくのがある意味一番の見せ場かもしれない。勘九郎さん、目の芝居もすごいし「これ絶対飲ませたらアカンやつ」な顔してるし、いよいよ暴れ出した時のどうにも止まらない勢いも含めて実によかったです。あの場面ほんと、役者さんならみんなやりたくなるとこなんじゃないかなー。いろんなエッセンスがつまってるよね。
お屋敷についてからの暴れっぷり語りっぷりも実によく、贔屓を堪能した…!という気持ちになった一幕でした。

「平成中村座十一月大歌舞伎 夜の部」

「唐茄子屋 不思議国之若旦那」。夜の部は十月と同一演目。獅童さんのところに橋之助さんが入りましたね。展開わかって見ている分楽しいところを存分に楽しめて、個人的には十一月のほうがよかった。「不思議国」部分とかは特にそう感じたかなー。橋之助さんの熊さん、視野が狭そうなキャラで面白かったけど、こういう役は獅童さんに一日の長があるよなと。というか、ああいう役をやらせて獅童さんほどのインパクトを残せる人のほうが少ないからこれはしゃあなし。長三郎さんはなんか、芝居心あるよねえ~と改めて思いました。なんでもない芝居でも面白く見せる。末恐ろしい!

「乗合船恵方萬歳」。一座の面々が揃って華やかに打ち出してくださる演目。それぞれ全員に見せ場というか、踊ってもらえるので、ワーイ最後勘九郎さんだぜ~~と思ってワクワクして観られた。そして実際勘九郎さんの踊りを観てしまうと「も、も、もっとくれ~~~~!」ってなっちゃうっていう。いや足りない。勘九郎さんの踊りがもっと欲しい。っていうゾンビになってしまいそうでした。私の内心のゾンビ化はともかく、2か月間の打ち出しとしては最後もキマった絵でよい締めだったと思います!

「ヘアスプレー」

  • 梅田芸術劇場メインホール 1階18列34番
  • 脚本 マーク・オドネル/トーマス・ミーハン 演出 山田和也

2020年7月に上演予定でしたがコロナ禍を受け中止、今回満を持しての日本版上演。主演に渡辺直美さんを配したこともあり東京方面からは結構なチケット難の声が聞こえてきましたが、大阪は公演期間が地方公演にしては長めというのもあって先行予約でおさえることができました。

もちろん楽しかったし、見てて興奮する場面もあったんですが、それよりも「あっ、ヘアスプレーって、そういう話だったのか…!」っていう部分が一番印象に残った感じです。見る前に私がぼんやり把握してた「ヘアスプレー」は、ブロードウェイ版がトニー賞総なめにしたとか、ハーヴェイ・ファイアスティンが出てたとかいう周辺情報で、あとは自己肯定感バリ高な女の子がそのポジティブなエネルギーで周囲の人間に影響を与えていくって感じの話なんだよね~っていうマジでうすらぼんやりした認識だけだったんですよね。

で、実際そのうすらぼんやり認識が大外れかっていうと勿論そんなことないし、大枠ではそういう話でもあるんだけど、でも全然芯を食ってない認識だったなっていうのが実際に見てわかった。これは超ど真ん中どストレートなレイシズムに対するプロテストが芯にあるミュージカルなんですよ。そう考えるとね、日本版の上演というのはどうしてもそこがぼやける。ぼやけざるを得ない。それぞれのキャラクターの服装が示す文化的な背景とか、ダンスや音楽のルーツみたいなものが認識として染みついていれば別かもしれないけど、なかなかそうもいかない。公式サイトにも「人種・体型・性別の差別問題も絡めながら」って書いてあるけど、絡めながらっていうような物語ではないだろ…という気がしました。

プロードウェイ版の上演が20年前で、その時点からでも人々の意識ってずいぶん変わってるよな、ってことも思ったかな。これもし今舞台にかけようとしたらもうちょっと繊細な作りにするのではないかという気がする。逆に言えば20年前にはこれぐらいストレートなパンチが必要だったってことでもあると思うけども。

人気テレビ番組に出たい!というところから端を発するのと、そのテレビ番組がダンスコンテストを主催するという展開があるので、最終盤はとにかく歌とダンスがこれでもか!と投下され、圧巻と言ってよいです。ここは文句なしにアガりにアガりますし、だからこその渡辺直美さんのキャスティングなんだろうなっていう。

山口祐一郎さんのエドナと石川禅さんのウィルバーの夫婦、見せ場でこれでもか!と実力を発揮していてさすがすぎた。エドナもうちょっと自然なボディメイクだったほうがよかったのにな~という感じはある。コーニー・コリンズをやってた上口耕平さんのダンス、キレッキレでつい目で追っかけちゃう魅力があってよかったです。

「平成中村座 十月大歌舞伎第一部」

「双蝶々曲輪日記」。勘九郎さんの濡髪長五郎!!いやーかっこよかった大きかった。歌舞伎ではときに「いかに大きいか」(物理ではなく、存在が)が何よりも大事という演目があるけど、これもある意味そのひとつだよね。放駒たちのやりとりが先にあって最後に出てくるところで格がちげえわ、と理屈でなく観客に納得させる大きさ。よかったです。虎之介さんの放駒も闊達で映えてた!というか今月なにげに虎之介さん大奮闘月間なのでは!?

「極付幡随長兵衛」。獅童さんの幡随院長兵衛で。いやよかったですね。油の抜けきってないというか、ギラつきを残しつつ、でも親分の風格もありつつで。七之助さんがまたお時のような役がむちゃくちゃはまるし、長松を実子の陽喜くんがやるというのもファミリー感の強い中村座に合っててよかった。我が子との別れとのころ、どうしたって見てる方もやってる方も入り込んじゃうしね。湯殿でだまし討ちにするというのはあの時代の常套手段だったんでしょうなあ~。勘九郎さんの水野十郎左衛門、実に憎々しい立ち居振舞いで、最後は長物を持っての立ち回りもあり、ファンとしては大満足でございました。

そうそう、冒頭に劇中劇?の「公平法問諍」もあって、これも面白かった。芝居の最中にあんな乱入されたら炎上待ったなしだぞテメエ!と思いつつ、ああいうことが起こったときの舞台番だったりもするのだろうか(どなたか存じ上げないのだけどこの役者さんがむたくたカッコよかったです)。当時の風俗が感じられる場面だし、そのあとの展開を考えても良い効果だったと思いました!

「平成中村座 十月大歌舞伎第二部」

久しぶりに浅草に平成中村座が帰ってきましたよーっと。
「綾の鼓」。有吉佐和子作。初見です。元は能楽みたいだけど、そちらは老人が女御に恋をするというものだそう。そう考えると若者が叶わぬ恋に身をやつし、鳴らない鼓を鳴らせと無理難題を押し付けられて嘲笑され、息子を亡くした妙齢の婦人のところにたどりつく…というのは有吉佐和子っぽい改訂!と頷ける。しかしラストまでの展開も含めて自分の性癖には全く掠らないタイプの物語でもあるのだった。虎之介さんとってもよかったです。

「唐茄子屋 不思議国之若旦那」。落語の「唐茄子屋政談」を宮藤官九郎さんが歌舞伎化した新作。宮藤さん×落語といえばかの名作タイガー&ドラゴンを思い出しちゃいますね。

もとが落語で、話のフリとオチはしっかりついているから、物語の構造としては強いのだが、そこに不思議の国のアリス要素が絡んでくるわけで、そこの食い合わせがいまいちうまくいっていない感が残ったなという印象。複数の落語のネタを取り込むストレートな演目であればもっと飲み込みやすいものに仕上がったのではないかと思うけど、しかし宮藤さんを呼ぶのにそこで小さくまとまっていいのかって気もするし。難しいですね。

荒川良々さんが中村座初参加(そりゃそうだよ)だったわけですが、さすがに宮藤さんの台詞や間合いが叩き込まれているというか、あの物怖じのしなさといい、独特の存在感といい、むちゃくちゃ仕事してましたね。この芝居の肝だよなって台詞を良々さんに振ってたのも、あまり重くなり過ぎずにやってほしかったのかなっていう作家の気持ちをちょっと感じたりしました。

勘九郎さんは生真面目そうな役がニンなように見えて、こうしたのんしゃらんとした悪気はないがやる気もない、みたいなボンボンもとってもお似合い。七之助さんは傾城での振り切った芝居も純朴一途な芝居もどっちも堂に入っていてよかった。獅童さんはこういうパワープレイを求められるといつも満額回答叩きだすところがさすが。虎之介さん、新悟さんの振り切った芝居も好印象でした。